La cultura è, per antonomasia, movimento. Di idee, concetti, correnti ma, ovviamente, anche degli esseri umani che li hanno prodotti. Ed è proprio quello che hanno voluto investigare Maximilian Schich, storico dell'arte all'Università del Texas a Dallas, e i suoi colleghi, tracciando i percorsi di più 150 mila persone notevoli dal 600 a.C. ad oggi, segnando il punto in cui sono nati e quello in cui sono morti. Ne è venuta fuori un'animazione, quella che vedete qui sotto, in cui si può osservare una sorta di percorso delle idee, o meglio, un percorso dell'umanità che ha fabbricato quelle idee e dunque una mappa delle influenze e delle migrazioni culturali.
Come spiega Alison Abbott su Nature, l'eterogenea lista include sia personaggi come Solone, giurista e poeta greco nato nel 637 a.C. che Sett Travolta, figlio del più famoso John, nato nel 1992 a Los Angeles e morto prematuramente nel 2009 nelle Bahamas. Certo, resta qualche perplessità sulla scelta di alcuni personaggi da includere (e sul significato esteso di fare cultura) nonchè sulla capacità che hanno avuto tutti quanti di influire sulla società. Questo, dico, per evitare una semplice mappa degli spostamenti delle persone più che una mappa degli spostamenti delle idee influenti che fanno cultura, insieme alle persone.
Qualunque sia il rapporto tra arte e scienza quello che so è che la scienza è molto spesso arte. Lo è l'equazione per il matematico ma lo sono anche queste immagini e questi video per i ricercatori. E così, l'acqua che si comporta come uno scultore, o i funghi che crescono in una colonia di formiche o la disposizione delle uova nell'ovaio del moscerino della frutta, oltre che risultati della ricerca possono diventare opere d'arte.
E' quello che succede alla Princeton University che, annualmente, colleziona video e immagini legate alle ricerche scientifiche e le esibisce in questo Art of Science.
E' quella che potremmo definire un'ottima integrazione tra arte e scienza. L'arte è quella del visionario, di colui che immagina le cose e le trasforma in qualcosa di reale, in questo caso Vik Muniz, famoso per le sue gigantesche composizioni; la scienza è quella della tecnica che permette di realizzarle, in questo caso un ricercatore del MIT (e artista a sua volta) Marcelo Coelho. Il risultato è quello che vedete qui a fianco e sotto: il più piccolo castello di sabbia, inciso su un un unico granello di sabbia, largo appena mezzo millimetro.
L'intero processo, dalla decisione alla realizzazione, ha richiesto più di 4 anni, secondo quanto raccontano su Colossal e per l'incisione del granello si è utilizzato uno strumento che usa la tecnica del fascio ionico focalizzato, capace di scolpire linee di appena 50 nanometri, tecnica usata dove serve un intervento a livello micrometrico o nanometrico, come nel campo dei semiconduttori o nelle preparazioni per microscopio.
Non so se apprezzare di più l'idea di incidere un castello su un granello di sabbia o la tecnica che l'ha realizzato. Direi comunque che il connubio arte-scienza è felicemente riuscito.
Aggiornamento 17.08.2016: per chi fosse interessato, aggiungo il sito web di Vik Muniz, nel quale si può leggere una breve biografia dell'artista e osservare i suoi splendidi lavori.
Esiste un'arte figurativa ingiustamente relegata in secondo piano rispetto a quella presente nei libri di storia, cioè quella dei fumetti, dei cartoni animati, dei manga, dei film di animazione e dei videogiochi. La Francia ha voluto conferirle uno status di dignità proprio creando, a Parigi, un museo dedicato all'arte figurativa contemporanea, cioè quella legata all'entartainment. E' il museo dell'Art Ludique, dicono unico al mondo nel suo genere, ma senz'altro un modo di dare o ridare dignità a questi che non so se definire semplicemente professionisti oppure veri e propri artisti.
Un tentativo di supplire l'impossibilità di ascoltare il suono attraverso la sua controparte visiva. Quello che ne viene fuori è una scultura liquida fissata in una serie di istantanee. E' quanto ha fatto il fotografo e artista Martin Klimas e il risultato è quello visibile sul suo sito e qui sotto, una rappresentazione visiva di Pharaoh's Dance di Miles Davis .
A furia di sentirmelo ricordare da Paola Bonavolontà su Facebook ho focalizzato che, insomma, non è proprio una data da passare sotto silenzio, non fosse altro che per ricordare Leonardo.
Lo scopo dell'istituzione di questa giornata, in quella 17a Assemblea Generale della IAA del 5-6 aprile 2011, oltre quello di mettersi alla pari con altre organizzazioni tutte con tanto di giornata mondiale, anche quello più classico di stimolare la consapevolezza dell'arte in tutto il mondo
the “art awareness” throughout the globe.
Questa è la seconda edizione, dato che la prima è stata il 15 aprile 2012 e, dopo aver gridato lunga vita all'arte, accludo qualche suggerimento della IAA per questa giornata, oltre quelli di Paola, chiaramente:
On that day we suggest that all museums and galleries stay open long nights, we expect conferences and panel discussions to be held on that day (and eventually throught out the week, following April 15). In the evening, celebrations and wild parties should follow all the exhibitions opening simultaneously on “D Day”! Long Live Art!
"Arte e soldi" si intitola questa infografica interattiva di Jean Abbiateci, un giornalista francese freelance, che ha riassunto in questo lavoro i più alti prezzi mai battuti all'asta per l'acquisto di un'opera d'arte, sia essa un quadro o una scultura. Ogni cerchio rappresenta un'opera d'arte: più grande il cerchio, più costosa l'opera. I colori identificano il tipo di arte, pittura, scultura, disegno e così via.
Per esempio, nella Top 10 figurano le 10 opere con il prezzo più alto battuto all'asta: al primo posto c'è L'urlo di Edvard Munch, venduto per 107 milioni di dollari, al secondo posto Pablo Picasso con Nudo, foglie verdi e busto, battuto 95 milioni di dollari, e terzo L'Uomo che cammina di Alberto Giacometti, venduto per 92 milioni e mezzo. Tutti i prezzi sono al netto delle commissioni della casa d'aste (si consideri, per esempio, che il quadro di Munch, con il costo della commissione, diventa quasi 120 milioni). Cliccare sulla freccia in basso a sinistra per avviare l'infografica.
Come forse si potrà notare, vi è sicuramente in me quella che potremo definire una grande ammirazione nei confronti di una figura che può essere definita tranquillamente l'artista per antonomasia. Parlo di Vincent van Gogh. L'occasione mi è data, ancora una volta , dalla cara amica Carla Citarella che con competenza e acume continua la sua disamina dell'artista olandese.
In circa dieci anni di pittura, Van Gogh attraversa varie esperienze. Dapprima realista, poi impressionista, sino ad arrivare alla fine dell'Ottocento all'esperienza pre-espressionista.
Sarà forse per via della grande passione che nutro per l'artista o sarà forse per la chiarezza espositiva e l'acume critico di Carla Citarella, sta di fatto che condivido ancora una volta un pezzo artistico. Protagonista di questo articolo è Vincent van Gogh, l'artista per antonomasia, colui che ha saldato insieme vita e arte, forse perchè la vita stessa è in fondo un'opera d'arte. Se ne scopre un aspetto nuovo, il van Gogh incisore, tecnica che egli utilizzò tra il 1882 e il 1890. Vi si ritrovano gli stessi temi cari a van Gogh semmai acuiti dalla secchezza del segno. E così l'artista ribadisce con forza quella che è la sua ricerca "Vorrei fare dei ritratti che alla gente di un secolo dopo sembrino delle apparizioni, non più la rassomiglianza fotografica, ma la ricerca dell'espressività. Quel ritratto, che consiglio a coloro che non lo hanno veduto, è una rappresentazione dell'anima di questa donna riprodotta(...).
C'è un aspetto della vita di Vincent Van Gogh che è interessante evidenziare, nella sua immensa attività artistica, fu anche incisore. Tra il 1882 e il 1890, affascinato dalla carica espressiva e comunicativa del segno che gli consentiva l'uso di questa tecnica, produsse nove xilografie e una incisione ad acquaforte: dieci capolavori grafici eseguiti da autodidatta, così intrisi di anima e di vita, che alitavano la stessa arte di Van Gogh.
Fu incoraggiato dal dottorPaul Gachet,il suo nuovo medico, quando l'artista si trasferì aAuvers-sur-Oise, nel 1890, dopo il suo ricovero, di propria volontà, a causa delle ripetute crisi, nell'ospedale psichiatrico di Saint-Rémy. Auvers era una piccola località in piena campagna nei pressi di Parigi, tanto desiderata da Van Gogh, dove visse gli ultimi tre mesi della sua vita. Qui vi esercitava il dottor Gachet, appassionato di pittura, stampatore, con il quale nacque un'immediata simpatia e soprattutto gli dava l'opportunità di parlare di arte:"una specie di fratello" scriveva a suo fratello Theo, "tanto ci somigliamo fisicamente e mentalmente" che decise di raffigurarlo, pittoricamente ed inciso ad acquaforte.
Carla scrive in maniera centellinata ma da vera esperta. In questo articolo che condivido L'Espressionismo astratto, e che vi invito a leggere sul suo blog, prende in esame l'Espressionismo astratto. Anche se l'origine dell'astrattismo, ci ricorda Carla, è fatto coincidere con il Primo acquerello astratto di Kandinskij nel 1910, se ne colgono i segnali premonitori già nell'Impressionismo.
Una pittura astratta definita anche con l’espressione arte non figurativa, è un gioco armonico di forme e colori disposti secondo la sensibilità del pittore che non ha nessun rapporto con la realtà percepita. L’arte astratta nasce da una progressiva trasformazione del dato reale, avviata già dall’Impressionismo e dal Postimpressionismo.
Si alimenta delle ricerche espressioniste, iniziate da Cézanne che rafforzò i suoi dipinti con forme geometriche essenziali, le quali a loro volta ispirarono i Cubisti.
L'arte cubista influì su un gruppo di artisti tedeschi, il più importante fra loro fu VasiliKandinskij, di origine russa.
Prendo spunto da un libro veramente affascinante, perchè unisce la bellezza della rappresentazione artistica con la matematica, dal titolo Da uno a infinito, al cuore della matematica, edito da Euresis.
Splendido insieme di immagini e formule, in cui la matematica non è più la scienza arida dei numeri, ma quella del mondo intorno a noi, in ogni sua forma.
Vorrei fare un post fatto solo di immagini. Dal semplice...
Approssimazione del cerchio
fonte storyofmathematics
Volume e area di una sfera e cilindro circoscritto
fonte storyofmathematics
Quadrato magico cinese
fonte storyofmathematics
Al complesso...
Schoen gyroid
fonte johnbaez
E8 root system
Klein surface
Gli immancabili frattali...
Modello frattale dei polmoni, interamente costruito con algoritmi
Vincent van Gogh è, nell'immaginario di molti, come l'artista geniale per eccellenza, come colui che ha identificato vita e arte in maniera assoluta, facendo della propria vita l'arte e della propria arte la vita. C'è una bella epigrafe di van Gogh all'inizio del libro di Giordano Bruno Guerri, Follia?Vita di Vincent van Gogh, eccola:
"Così come in algebra due affermazioni false ne danno una vera, così spero che il prodotto dei miei fallimenti si concluda con un successo".
E ancora, come incipit , "Vincent van Gogh Gogh definì la sua vita come «la discesa infinita»".
Morphing (fonte wikipedia)
Anche Emanuela Zerbinatti ha dedicato un Omaggio a van Gogh nel suo blog Arte e Salute, che vi invito a leggere.
Philip Scott Johnson, l'autore di questo video, è un digital artist americano che utilizza spesso la tecnica del morphing per creare i suoi lavori.Ha una pagina su Myspace.Godetevi tutti gli autoritratti di van Gogh in un minuto.
È difficile comprendere il comportamento degli umani, a volte.
Perché ci piacciono Dante e Leonardo? Perché dei bei versi ci fanno sospirare o una trama poliziesca ci appassiona? Perché restiamo estasiati davanti ai capolavori degli artisti?
Ma, ci piacciono veramente? Ho alcuni dubbi.
Ho come la sensazione che per molti di noi, gran parte di quella che chiamiamo attività artistica, non significa molto, ma siccome tutti dicono che è bella così, per non sembrare ignoranti, lo diciamo anche noi.
Cos’è che ci piace nella Divina Commedia? Sapreste dirlo?
E nella Gioconda? In fondo, quando gli umani sono liberi dalle influenze culturali dominanti scelgono anche cose piuttosto kitsch. In televisione, per esempio, non sono le trasmissioni culturali ad andare forte ma quelle trash, basate sul gossip e gli scontri verbali. Anche al cinema si osserva questo effetto. In molti si sentono obbligati ad andare a vedere un film che hanno visto tutti, perché è un capolavoro, ma è un po’ come succede per tante altre cose, le si fanno perché vi è una specie di obbligo sociale a farle, e non per vero interesse. Nè si sottrae a questa tendenza l'acquisto dei libri.
Pure, se richiesti di fornire una ragione delle loro scelte “culturali”, la maggior parte risponde che la loro scelta si basa su un aspetto: la bellezza.
Si, perché le opere d’arte sono belle. Così dicono, almeno.
La bellezza è dunque un discriminante fondamentale, al quale segue il classico “perché mi fa provare delle emozioni, mi smuove qualcosa dentro”. Il bello e l’emozionante, quindi.
L’emozionante, da solo, è ancora arte? Io ritengo che per un grande numero di persone assistere a una operazione chirurgica sia notevolmente emozionante, però ho qualche dubbio che costoro l’assocerebbero a qualcosa di artistico. Forse il tipo di emozione deve essere positiva, per diventare artistica, mentre quelle negative non lo sarebbero mai.
Ma, in quel caso, un’emozione come quella di una vincita in un gioco d’azzardo, che pure è un’emozione positiva, sarebbe arte?
Io dubito che si sarebbe d’accordo nel definirla artistica, una tale emozione.
Ma il bello, perbacco, il bello non è qualcosa di artistico, qualcosa cui noi tendiamo naturalmente?
Allora perché tanti storcono il naso quando qualche avvenente signorina improvvisamente diventa parlamentare? Perché siamo soliti non associare bellezza e intelligenza? Perché quando osserviamo la bellezza di un volto, collegato al resto del corpo, che ottiene successo solo per il fatto che è bello, obiettiamo che la bellezza non è tutto?
Ma, allora, la bellezza è tutto o non è tutto?
Perché per un’opera d’arte la bellezza è uno dei discriminanti più importanti mentre per una persona diventa quasi un marchio di avanzamento di carriera trasversale?
A volte ho come l’impressione che l’intera storia universale dell’arte, e con le inevitabili piccole fluttuazioni dalla norma, rappresenti un lungo estenuante passaggio dall’ordine al caos, dovuto a una sorta di effetto maturità.
Se osservo macroscopicamente il susseguirsi delle varie correnti artistiche noto un sostanziale percorso tendente, in un primo tempo, a raggiungere la perfezione della riproduzione figurativa, la conquista della tridimensionalità, della presenza fisica dei personaggi, della loro collocazione prospettica, della sfumatura dei contorni e, una volta raggiunta, quasi come alimentati da una smania che vuole sempre scoprire cose nuove, ecco che si passa a rappresentare gli elementi fisici che concorrono a formare la visione così come sono in realtà, nudi, non mediati dalla ricostruzione cerebrale e poi, dopo questo, si cerca di riprodurre non solo la realtà al di fuori di noi “così com’è” ma “così come la vede ognuno di noi”, deformata dalle nostre emozioni.
E così via, sempre alla ricerca di qualcosa in più, con il retaggio di quanto già è stato investigato, e con la certezza che ancora tanto c’è da scoprire.
In ultimo poi, esplorato sia il mondo iconico che quello concettuale ecco apparire lo spunto a una nuova realtà, di cui questa volta è interprete lo spettatore, con l’artista che diventa mediatore tra una sua, a volte, inconsapevole conoscenza e il pubblico che osserva. Lo spettatore fissa l’opera d’arte come un fenomeno della natura, e anche se non lo comprende dal punto di vista fisico (il fenomeno naturale) pure ne è affascinato, viene stimolato nel profondo, ne ottiene un coinvolgimento emotivo, che è quello che cerca l’artista.
Ma, c’è un limite all’espressione artistica? Mi spiego meglio: c’è un limite all’espressione della rappresentazione artistica? C’è, cioè, un limite alle cose, nuove, che l’arte può scoprire sulla relazione con l’oggetto percepito?
È chiaro che la storia dell’arte contemporanea non è un unico flusso compatto che vede gli artisti proporre e ricercare le medesime sensazioni nell’arte. Pure una tendenza generica dall’iconico all’aniconico e, in mezzo a questa, dal concettuale all’emozionale, sembra esserci. Sembra quasi l’esplorazione di modi diversi di vedere la realtà, via personale alla comprensione della natura, e nel far questo non si può emulare chi ci ha preceduto, semmai citarlo, ma comunque sempre adottando un punto di vista diverso.
Allora, questa lecita ricerca continua, che vorrei per un attimo paragonare a quella esistente per esempio nel mondo della ricerca scientifica, è come quest’ultima destinata a un’innovazione costante, al susseguirsi delle teorie con le nuove che sostituiscono le vecchie, in una sempre più approfondita conoscenza dei fenomeni naturali, oppure l’arte, diversamente dalla scienza, riconosce un limite a quel mondo cognitivo più basato sull’estro individuale, quasi a significare che il processo individuale di conoscenza emotiva è più limitato del mondo naturale, di cui del resto fa parte?
Per esempio, Elisabeth B. Merrill (E.B. Merrill 1987) nel suo Art styles as reflections of sociopolical complexity, parla di una relazione tra complessità sociale e complessità nell’arte, e cita un lavoro di Fisher (1961) sui pellerossa Shoshone e sul cambiamento delle decorazioni dei loro prodotti da prima a dopo il contatto con gli europei, nel passaggio da una società egalitaria a una gerarchica. Anche i risultati di Barry (1952, 1957) inducono a considerare la severità della socializzazione come elemento che favorisce la complessità artistica.
Ma non solo a livello di interazione artista-società si manifesta questa tendenza alla complessità. Uno studio su Jackson Pollock, il famoso pittore astrattista dell’action painting, che dipingeva schizzando il colore con i suoi pennelli sopra le enormi tele stese a terra, ha dimostrato che questi quadri non sono semplicemente “astratti” ma presentano le stesse caratteristiche di frattalità che hanno fenomeni naturali come le nuvole, le scariche elettriche, i vasi sanguigni nella retina e così via (Fig. 1), con un aspetto interessante e cioè quello di avere una dimensione frattale D compresa tra 1 e 2
1 < D < 2
che sembra essere quella che presenta le migliori caratteristiche estetiche.
Fig. 1
(tratto da R.P. Taylor et alii, 2003)
In Fig. 2 si osservano come queste proprietà presenti nei frattali naturali siano simili a quelli presenti nei quadri di Pollock.
Fig. 2
(tratto da R.P. Taylor et alii, 2003)
Anche nella musica è rilevabile questo collegamento tra complessità e maggiore attivazione delle onde cerebrali nelle aree della corteccia prefrontale, in quei soggetti musicalmente sofisticati rispetto a quelli che non lo erano ( Birbaumer et alii 1996).
Questo legame tra maturità o evoluzione e complessità non è ipotizzabile solo lungo le vie che abbiamo immaginato ma fa parte anche della nostra personale evoluzione, una sorta di “ontogenesi che ricapitola la filogenesi” che vede nel percorso culturale di ognuno di noi un passaggio continuo dal semplice al complesso, sia come evoluzione normale del gusto e affinamento estetico dovuto all’esperienza, sia anche come vera e propria necessità fisiologica che, semplicemente, potremo definire: fuga dalla monotonia.
Nel percorso di ciascuno di noi però questo cammino segue la naturale sequenza della durata della vita, che non è eterna, ripetendosi magari con lo stesso livello di complessità in quelli che verranno subito dopo. Quello che varia nelle correnti di pensiero o artistiche è che la propria esperienza artistica personale non può prescindere da quello che è stato fatto: non si può riscoprire la Teoria della Relatività Generale né ridipingere la Gioconda, perché se anche colui che effettuasse queste performance non avesse mai avuto contatto con gli originali comunque perderebbe gran parte del valore che chi lo ha preceduto si è guadagnato. Sia nelle scienze che nell’arte vi è l’obbligo di percorrere nuove strade, da una parte con più vincoli, dall’altra con meno. Ma sempre di cose nuove si deve trattare. Oggi, un novello Leonardo che non facesse altro che ripetere i prodigi dell’originale sarebbe trattato, anche se non da copista, comunque da non-originale, bravo esecutore, ma non artista e inventore.
Ed è appunto assecondando queste considerazioni che nasceva il quesito se vi sia un limite alla complessità sperimentabile, dopo della quale l’arte cessa di essere un fenomeno fruibile dallo spettatore e diventa un trattato vero e proprio. Forse accadrà in conseguenza di un aumento generale del livello culturale, in quello che sembra un progresso senza fine verso la ricerca dell’assoluto, sta comunque di fatto che oggi come allora, attore o spettatore dell’arte, l’uomo sembra averne una dipendenza che è quella tipica dello scopritore, in cui ogni nuova scoperta, sua o di altri, non è che l’affermazione di questa atavica dipendenza.
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E.B. Merrill, Ethnology, 1987.
R.P. Taylor, B. Spehar, J.A. Wise, C.W.G. Clifford, B.R. Newell and T.P. Martin, Perceptual and Physiological Responses to the Visual Complexity of Pollock’s Dripped Fractal Patterns, Nonlinear Dynamics, Psychology, and Life Sciences, 2003
N. Birbaumer, W. Lutzenberger, H. Rau, G. Mayer-Kress, I. Choi, C. Braun, Perception of Music and Dimensional Complexity of Brain Activity, International Journal of Bifurcation and Chaos, 1996.
La cultura è, per antonomasia, movimento. Di idee, concetti, correnti ma, ovviamente, anche degli esseri umani che li hanno prodotti. Ed è proprio quello che hanno voluto investigare Maximilian Schich, storico dell'arte all'Università del Texas a Dallas, e i suoi colleghi, tracciando i percorsi di più 150 mila persone notevoli dal 600 a.C. ad oggi, segnando il punto in cui sono nati e quello in cui sono morti. Ne è venuta fuori un'animazione, quella che vedete qui sotto, in cui si può osservare una sorta di percorso delle idee, o meglio, un percorso dell'umanità che ha fabbricato quelle idee e dunque una mappa delle influenze e delle migrazioni culturali.
